Alfonso Cuarón: “Roma tiene un punto de vista casi crítico acerca de mi propia existencia”

Roma es la película del momento. De la que habla todo el mundo, que está en Netflix desde hace semanas y que aún se exhibe en algunas salas comerciales en nuestro país.Al cierre de esta edición, ha ganado 90 premios internacionales, y fue nominada a otros 119 (entre ellos, tres Globo de oro que se entregan este domingo 6, como mejor director, mejor guión y mejor película en lengua extranjera).Alfonso Cuarón, su director, se basa en su infancia para hablar de las relaciones interpersonales en Colonia Roma, ese barrio de Ciudad de México donde creció.

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El filme, que seguramente competirá por el Oscar a la mejor película hablada en idioma extranjero, y probablemente al premio mayor, el de mejor película, tiene a Cleo (Yalitza Aparicio) como protagonista: es una de las nanas de los niños de la casona de clase media que refleja la película del director de Y tu mamá también, Harry Potter y el prisionero de Azkaban y Gravedad.Cuarón respondió las preguntas de Clarín desde Ciudad de México.-¿Qué te decidió a abordar una temática tan personal?-La edad. Llegó un momento en la vida en el que uno tiene que conciliar quién es a partir de dónde vino.- ¿Cuál es el mejor recuerdo que tenés de tu infancia?-Mi infancia en general fue una infancia bastante placentera, con algunos dejos de melancolía. La época que retrata Roma fue una época en la que las nubes de la incertidumbre comenzaron a nublar, a oscurecer todo el paisaje, unas nubes que continuaron durante toda mi adolescencia.

En la playa, en pleno rodaje de una escena fundamental del filme. Foto: Netflix

-¿Cómo hiciste para no idealizar a la hora de escribir el guión y filmarlo?-La única manera de aproximarte al acercamiento a la memoria es desde el punto de vista del presente y del entendimiento del presente. No me interesaba hacer una película subjetiva acerca de mi experiencia de la infancia. Si no, de hecho, la película sigue el personaje de Cleo y a partir de seguir este personaje y a partir, también de mi entendimiento del presente, ése fue el prisma a través del que se observó toda esta experiencia en mi memoria, de tal manera que más que romantizarla o idealizarla, había un punto de vista casi crítico acerca de mi propia existencia.-¿Por qué decidiste esta vez hacer la dirección de fotografía?-En realidad “El chivo” iba a hacer la película. El chivo es Emmanuel Lubezki. (N de la R: habitual director de fotografía de Cuarón, ganó tres Oscar consecutivos, por Gravedad, Birdman y El renacido). Es una película que escribí, concebí pensando en “El Chivo”, también la diseñé pensando en “El Chivo”. “El Chivo” comenzó a hacer la preparación, pero la película se siguió expandiendo en cuestión de tiempos y ya nuestros tiempos no coincidieron. El mismo “Chivo” fue el que me convenció de que yo la hiciera. Y creo que fue la mejor decisión, porque de la misma manera en que el hacer el guión fue un proceso sin filtros directos de mi memoria al papel, hubo un proceso también directo sin filtros del papel a la imagen al ser yo el director de fotografía.

El realizador mexicano, con sus dos Oscar ganados por “Gravedad”, como mejor director, y por la edición del filme.

-¿Por qué la rodaste en blanco y negro?

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​-La película nació en blanco y negro. Cuando la película se concibió, se concibió en tres pilares. Uno es la historia de Cleo. Dos, que el proceso, la herramienta de acercamiento iba a ser la memoria, y tres, que iba a ser en blanco y negro. Y a partir de eso, yo ya no lo cuestioné. No cuestionar los pilares porque son los que sustentan tu película. Sin embargo, yo no quería un blanco y negro nostálgico, un blanco y negro vintage, un blanco y negro que no sea referencia a un cine del pasado, no quería un blanco y negro de la manera hermosa que es el blanco y negro del cine de los ‘40 y de los ‘50, con un gran contraste y sombras largas. Yo quería un blanco y negro contemporáneo, un blanco y negro digital, un blanco y negro en 65mm, un blanco y negro con una luz suave y naturalista. Era un blanco y negro que fuera contemporáneo y moderno mirando hacia el pasado.-Abordás varios temas en “Roma”, ¿cuál dirías que es el principal, el troncal, el que enlaza a los otros?

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-Roma, más que un retrato, siento que es más un mural, un mural de distintas temáticas, de distintos temas que crean una unidad. Por supuesto, al seguir al personaje de Cleo es inevitable que la jerarquía social aunada al bagaje étnico es un tema fundamental sobre todo en un país como México, que es tan profundamente racista y que vive en la negación de ese racismo. Me imagino que como gran parte de los países de todo el mundo, y a partir de ese eje, porque creo que es un eje endémico y primario en muchas de las problemáticas que existen tanto en México como en la humanidad, pero por otro lado de una manera más fundamental y profunda, la película es acerca de esa soledad que es la existencia. Esa existencia que no tiene sentido, una existencia que es una experiencia común de soledad, una soledad a la que sólo los lazos de afecto le pueden dar algún sentido.

Marcando una escena en un cine. La acción de “Roma” transcurre en los años ’70. Foto: Netflix

-En Buenos Aires no se exhibe en salas con sonido Dolby Atmos, pero al menos se puede ver en pantalla grande. ¿Cómo creés que se debe apreciar tu filme?-Por supuesto que la mejor manera de ver Roma, la manera ideal y la experiencia completa sería en una sala con sonido Atmos, pero no sólo eso, tendría que ser una pantalla grande en proyección Dolby Vision. Hicimos una copia calibrada específicamente para este formato, pero el problema es que hay, quizá, diez proyectores de este tipo en el mundo. Esa sería la versión ideal. Bueno el Dolby Atmos en 4k sería maravilloso, y sino quizá sonido 7.1 en 4k, y sino sonido 5.1 en 4k, y sino sonido 5.1 en 2k… O sea, hay muchos formatos donde se puede apreciar el cine. Sin embargo, de la misma manera, la experiencia en los formatos caseros puede proveer la experiencia emocional que es la película. Aunque yo tuviese la suerte de tener miles de salas, en el mejor de los casos que se reservan a grandes películas de evento Hollywood, tipo de superhéroes en las que tienes miles de pantallas y duran tres meses en los teatros, si te va bien, esas mismas películas años después inevitablemente van a prevalecer en distintos formatos domésticos digitales. Entonces lo importante es crear el mejor sistema para la mejor experiencia en esos sistemas. Nosotros creamos dos archivos muy diversos para la mejor experiencia en Netflix.

En el rodaje de “Harry Potter y el prisionero de Azkaban” (2004), con Daniel Radcliffe y Gary Oldman.

-Pero defendés la experiencia en cine.-Yo defenderé siempre la experiencia de las salas de cines, pero de la misma manera siempre defenderé la diversidad en el cine. Por desgracia la experiencia en las salas de cine se ha convertido en una experiencia gentificada donde en general tan sólo exhiben películas de Hollywood.-¿La diferencia de clase es estigmatizante? Con tu filme demostrarías que en ciertas relaciones, no.-Por supuesto que lo es. Por desgracia, con todo el afecto que sucede con el personaje de Cleo y con toda la relación afectiva que sucede entre Cleo y esos niños. En el transcurso de la película nunca se rebasa la barrera de las jerarquías. Al final mismo de la película le dicen “Cleo, te amamos”, “Cleo, nos salvaste la vida”, “Cleo, queremos ir a visitar tu pueblo”, pero también “Cleo, vete a lavar la ropa” y “Cleo, vete a traer un licuado de plátano, por favor”. En un país, una sociedad, un mundo donde las clases sociales están intrínsecamente ligadas al bagaje étnico de la gente… Es un muro. Las diferencias de clase y las diferencias étnicas se han convertido muchas veces en muros infranqueables.

La escena de la manifestación estudiantil, y la represión: otro preciosismo de imagen. FOTO: NETFLIX

El machismo está muy arraigado en México. ¿Cómo o qué puede hacerse para doblegarlo?-El machismo está muy arraigado en el mundo, no sólo en México. Distintos países tienen distintas maneras. Yo diría que México tiene un machismo más de “sombrerazo”. Hay otros países desarrollados que tienen un machismo que se traduce de muchas otras maneras. El qué se puede hacer para doblegarlo, creo que es una pregunta tremendamente compleja, que no se puede contestar en una pequeña entrevista y creo que no hay una respuesta única. Estamos hablando de tendencias de años, tendencias arraigadas culturalmente, pero también en instituciones. Hay movimientos que son la fuerza de la mujer que está poniendo en alto ciertas actitudes, pero sin embargo esas actitudes se quedan tan sólo en actitudes sino se abarca este problema de una forma muchos más global. Una vez más, son cuestiones históricas, culturales e institucionales.  Redondeando la respuesta, incluso en todas ellas pareciera ser que solamente la fuerza de la mujer es la que ha podido, sino doblegarlo, ponerle ciertos límites. Son iniciativas que nacen de la mujer. Hoy en día, vemos más y más padres que tienen su “canguro” en el supermercado, eso era impensable en mi infancia. Ya van un par de generaciones de padres muchos más comprometidos con sus hijos. Se podría decir que ha sido una evolución masculina, pero más bien ha sido un triunfo de la mujer educando al hombre -Alfonso, ¿cuando vas a venir a la Argentina?-¿Qué más quisiera? Le tengo unas ganas tremendas, unas ganas tremendísimas de visitar a algunos amigos. Ojalá se me haga en 2019. Un abrazo a todos.

Cleo, en uno de los plano secuencia fundamentales de la película. FOTO: NETFLIX

Su obsesión por filmar escenas importantes en plano secuenciaMuchas ​escenas de Roma, y de varios de sus filmes (la apertura de Gravedad, con la cámara “introduciéndose” en la escafandra del personaje de Sandra Bullock) están rodadas sin corte de cámara, en un solo plano, lo que se llama plano secuencia.-¿Vas a dirigir un master sobre plano secuencia? Cada película te superás. ¿Cuál fue el más difícil de rodar en “Roma”?-La razón de hacer los planos secuencia es que me interesaba en esta experiencia de la memoria honrar el espacio y el tiempo. El tiempo en el fluir de cada uno de los momentos, respetándolos y absorbiendo esos momentos, incluso esos momentos de silencio. Y el espacio cuando esa imagen fluye por esos espacios, pero de la misma manera el espacio situando a la cámara como una persona que habita ese espacio y que escucha esos sonidos, no sólo los que están en la imagen en esa pantalla, sino los que nos rodean. La cámara es un fantasma del presente que visita el pasado y flota en él, observando sin tomar ningún partido los eventos que están sucediendo. En cuestión de cuál fue el más difícil de rodar, hay algunos que son más difíciles en términos de logística, como el momento de la represión de parte de los paramilitares a la manifestación de estudiantes, ya que la rodamos en el lugar donde sucedieron los hechos. Pero al hacerlo, es una avenida que se llama México Tacuba, que es una avenida que conecta gran parte del Norte poniente de la ciudad de México con el centro, entonces inevitablemente estábamos interrumpiendo el tráfico de miles y miles de ciudadanos, a la vez que teníamos cientos y cientos de extras son escenas de acción coreografiadas. Es una escena que se tuvo que ensayar muchas semanas en unos campos de fútbol para interrumpir lo menos posible el flujo de tráfico de esta avenida. La escena de la playa también fue muy difícil, porque tuvimos que construir un muelle que fuera de Lapa donde está la sombra, donde dejan al niño pequeño a mar adentro donde se rompen las olas y los niños se están ahogando. Hay otros que son emocionalmente difíciles como la escena del parto.

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