cultura Archives - Informador

Halloween 2024: los 10 libros más terroríficos e interesantes para leer cada 31 de octubre

Informador — Thu, 31 Oct 2024 05:16:46 +0000

Historias llenas de misterios, horror y suspenso para un 31 de octubre terrorífico.Los relatos son ideales para estar a tono con la Noche de Brujas.

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Una muestra rescata la obra y la figura de Aída Carballo en el Museo de la Cárcova

Informador — Fri, 25 Oct 2024 21:20:21 +0000

Luego de su muerte su figura sufrió la estigmatización amarillista de “loca”.Ahora una exhibición rescata su mundo creativo expresado en grabados, ilustraciones, cerámicas y su legado como docente.

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Polémica en México: trabajadoras sexuales protestaron contra una obra de la artista Ana Gallardo

Informador — Tue, 15 Oct 2024 23:17:11 +0000

Graffitearon la fachada del Museo Universitario de Arte Contemporáneo por considerar que la artista “discrimina” a las trabajadoras sexuales.El lugar suspendió temporalmente la exhibición de la obra, pero mantuvo la muestra dedicada a la argentina.

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Santiago Craig: “Quienes escribimos nos quedamos un poquito en la infancia”

Informador — Sun, 13 Oct 2024 11:17:50 +0000

El autor acaba de presentar su nueva novela La vida en Marta, un recorrido por una vida de punta a punta.En este diálogo, además, revisa las claves de su obra y considera que “para que lo cotidiano se vuelva extraordinario, hay que tenerle paciencia”.

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¿Qué es el Museo del Traje, que el Gobierno quiere cerrar?

Informador — Tue, 01 Oct 2024 01:20:41 +0000

Recientemente diseñadores de renombre crearon una red de apoyo al museo para buscar fuentes de financiamiento.Otros países como España y Francia tienen instituciones semejantes.El último jueves, había inaugurado una muestra sobre tango y vestimenta en el CCK.

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¿Qué es el Museo del Traje, que el Gobierno quiere cerrar?

Informador — Tue, 01 Oct 2024 01:20:09 +0000

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Para conocer a Benjamín Labatut, un escritor lógico que busca atrapar fantasmas

Informador — Thu, 26 Sep 2024 21:18:00 +0000

El autor chileno, una de las visitas más esperadas del Filba, dialogó con Clarín Cultura antes de su presentación.Charlará este viernes en el Malba con la cineasta Lucrecia Martel.El Festival Internacional de Literatura comienza hoy y se desarrollará hasta el domingo.

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Malba Puertos, el museo que busca convertirse en el eje cultural de la zona norte

Informador — Sat, 21 Sep 2024 17:16:42 +0000

Este fin de semana abre sus puertas en Escobar, a 45 kilómetros de capital y con una inversión de 10 millones de dólares. La coordinación artística y general estará a cargo de Eleonora Jaureguiberry.La propuesta desafía el concepto tradicional con espacios al aire libre, playa, bosque y salas impactantes.

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María Rosa Lojo: “La vida es un territorio desconocido minado continuamente de preguntas”

Informador — Sat, 21 Sep 2024 15:16:19 +0000

La escritora y académica fue homenajeada por el el Instituto de Literatura Argentina (ILA).En una ceremonia emotiva, cuatro investigadores recorrieron momentos nodales de su trayectoria.Luego, la narradora, que además es columnista de Clarín, repasó sus influencias y directrices.

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Amalia Amoedo se llevó el premio arteba al Coleccionismo: “El arte de toda la Argentina merece un lugar destacado en el mundo”

Informador — Thu, 29 Aug 2024 21:29:21 +0000

La mecenas y coleccionista recibió el premio de manos de Larisa Andreani, presidenta de arteba.Cuenta con una colección de más de 650 obras, desde la década del 40, pasando por la escena emergente de los 80 y hasta la actualidad, además de las que heredó de su familia.

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Daniel Acosta exhibe una veintena de sus obras con un llamado a revincularse con lo natural

Informador — Fri, 16 Aug 2024 17:18:44 +0000

El Museo Benito Quinquela Martín presenta hasta septiembre la muestra Urge la tierra. “Nosotros no le damos pelota como porteños a la cuestión del río, pero está mucho más cerca de lo que creemos”, explica el artista. La exposición está formada por diez obras de gran formato, siete más chicas y una instalación.

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Grete Stern y Horacio Coppola, fotógrafos: un documental en el FNA

Informador — Fri, 26 Jul 2024 19:20:32 +0000

Esta tarde y el viernes próximo se proyecta el documental de la directora Anne Berrini, en el Fondo Nacional de las Artes. “De la Bauhaus a Argentina” es una biografía del matrimonio de grandes fotógrafos modernistas, filmada en tres ciudades. En 1964, Stern recibió una beca del FNA y en 1985, Coppola ganó el Gran Premio a la Trayectoria Artística.

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Hermenegildo “Menchi” Sábat, el artista de todos los públicos

Informador — Thu, 25 Jul 2024 21:21:55 +0000

En el Museo de Arte Decorativo, la muestra de Hermenegildo Sábat sumó un nuevo tributo a su obra gráfica y periodística. El maestro de la caricatura política argentina fue evocado por el director del diario Clarín, Ricardo Kirschbaum, el académico José Ignacio López y los columnistas Joaquín Morales Solá y Eduardo van der Kooy.

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El festival ‘Oscuro Total’ pone el foco en la fascinación por el terror y los crímenes

Informador — Thu, 18 Jul 2024 17:18:12 +0000

Desde las 16 en la Librería del Fondo de Cultura Económica de Palermo, se pueden presenciar hoy y mañana los debates.Participarán los escritores Eduardo Sacheri, Horacio Convertini, Mercedes Giuffre, entre otros, junto a periodistas.

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“La amiga estupenda”, de Elena Ferrantes es el libro del siglo para el New York Times

Informador — Tue, 16 Jul 2024 11:18:57 +0000

El diario norteamericano le pidió a 503 escritores y críticos que votaran los mejores títulos publicados deesde el 1 de enero de 2000.Participaron Stephen King, Claudia Rankine, Sarah Jessica Parker, Karl Ove Knausgaard y Jonathan Lethem entre otros.

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Reconocen a una agencia internacional de fotos por su aporte a la libertad de expresión

Informador — Wed, 12 Jun 2024 19:17:28 +0000

Se trata de la agencia Magnum Photos que ganó el Premio Princesa de Asturias de la Concordia.Fue fundada en 1947 por los padres de la fotografía documental, Robert Capa, Henri Cartier-Bresson y David Seymour.

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Noche de las Ideas, cuatro días de pensamiento y artes para todos

Informador — Fri, 10 May 2024 19:23:31 +0000

Las actividades tendrán lugar en Buenos Aires, y Bahía Blanca, Córdoba, Mar del Plata, Mendoza, Rosario, Salta y Santa Fe.Participarán especialistas franceses en diálogo con sus pares argentinos en diversas mesas y actividades.

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Una ventana a la cultura porteña de abre en Madrid

Informador — Mon, 06 May 2024 17:26:07 +0000

La segunda edición de Conexión Buenos Aires Madrid se realizará del 13 al 24 de mayo en Casa de América, en el centro de la capital española. Con el auspicio de Revista Ñ.

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Una ventana a la cultura porteña de abre en Madrid

Informador — Mon, 06 May 2024 17:24:43 +0000

La segunda edición de Conexión Buenos Aires Madrid se realizará del 13 al 24 de mayo en Casa de América, en el centro de la capital española. Con el auspicio de Revista Ñ.

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La nueva Ley Ómnibus no incluye el capítulo sobre Cultura y en el Gobierno nadie sabe qué pasará

Informador — Thu, 11 Apr 2024 21:15:56 +0000

El proyecto adelgazado difundido este martes no cuenta con las medidas propuestas originalmente, como el cierre del Fondo Nacional de las Artes.En la Secretaría de Cultura esquivan las preguntas y ni el propio Leonardo Cifelli parece estar al tanto del tema.

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El tiempo de la “aventura impresionista” de Cézanne y Renoir deslumbra en Milán

Informador — Wed, 27 Mar 2024 04:16:10 +0000

Los visitantes observan pinturas de Auguste Renoir y Paul Cezanne durante en la exposición del Palazzo Reale de Milán (PIERO CRUCIATTI/)Uno estructurado y austero, el otro sensual y alegre: Paul Cézanne y Auguste Renoir fueron dos padres fundadores del Impresionismo, pero una nueva exposición en Milán explora sus estilos marcadamente diferentes.Marcando 150 años desde la fundación del movimiento artístico, 52 obras maestras de los dos franceses están prestadas por París para una muestra sin precedentes en el Palazzo Reale -junto a dos de Picasso, a quien inspiraron. Las pinturas datan de la década de 1870 hasta principios del siglo XX.Renoir y Cézanne “ambos formaron parte de la aventura impresionista, antes de alejarse de ella. Cezanne se volcó hacia estructuras geométricas extremadamente fuertes, mientras que Renoir mantuvo su toque vibrante y sensible”, dijo Cécile Girardeau, curadora de la exposición.Un visitante toma una fotografía de un cuadro de Auguste Renoir titulado “Gabrielle et Jean” (Gabrielle y Jean) (PIERO CRUCIATTI/)El solitario, más bien sombrío Cézanne, había entablado una amistad en la década de 1860 con el jovial Renoir. Con el paso de los años, la pareja permaneció amiga a pesar de sus diferentes personalidades y estilos de pintura, con Renoir visitando la casa de Cézanne en el sur de Francia varias veces entre 1880 y 1890.Pinceladas audacesEl Impresionismo nació en abril de 1874 cuando un grupo de pintores, incluidos Cézanne, Renoir y otros como Claude Monet se apartaron del Salón de París respaldado por el gobierno para realizar su propia muestra independiente. Sus obras se caracterizaban por rápidas pinceladas que exploran los efectos de la luz y el color. Muchas de las pinturas en Milán, prestadas por el Museo de l’Orangerie y el Museo d’Orsay en París, abordan temas similares, desde paisajes hasta desnudos o bodegones.Pero los enfoques de los artistas variaban, desde las pinceladas audaces de Cézanne enfocadas en formas hasta el toque más sensual de Renoir que a menudo buscaba capturar la luz moteada.Pintura de Paul Cezanne titulada “Retrato de Madame Cezanne” (Retrato de Madame Cezanne) (PIERO CRUCIATTI/)Girardeau, curadora en el Museo de l’Orangerie, señaló las diferencias entre dos bodegones Vaso de paja, azucarero y manzanas (1890-1894) de Cézanne y Melocotones (1881) de Renoir.“Cézanne intentó darnos la estructura esencial de los objetos y es a través de esto que nos hace entender su visión del mundo”, dijo. Por contraste, “Renoir captura la inmediatez del momento, nos da la sensación del mantel, sus pliegues, la suavidad de la fruta y el reflejo de la luz en la loza.”Los estudios de los artistas han sido recreados para la exposición: el de Renoir de Cagnes-sur-Mer en el sur de Francia y el de Cézanne de su casa familiar de la Bastide du Jas de Bouffan en Aix-en-Provence.Cécile Girardeau, la curadora del Museo de Orsay (PIERO CRUCIATTI/)El tiempo parece haberse detenido mientras la luz cae sobre los estudios, los pinceles, tubos de pintura secos y marcos de madera testimoniando el trabajo de sus maestros.Alegría de vivirLas personalidades de los pintores se reflejaban en sus pinturas. El sobrio Cézanne describía querer retratar la naturaleza “según el cilindro, la esfera, el cono”, mientras que el exuberante Renoir describía una pintura como una “cosa alegre, bonita”.Los retratos de Cézanne son austeros, los sujetos miran al espacio sin insinuar una sonrisa, mientras que los de Renoir irradian un sentido de serenidad gentil o, en el caso de sus voluptuosos desnudos femeninos, de sensualidad.Un visitante observa una reconstrucción del taller de Auguste Renoir en Cagnes-sur-Mer (PIERO CRUCIATTI/)Sus diferencias reflejan sus antecedentes. Cézanne era hijo de un banquero, que no necesitaba vender su arte, mientras que Renoir provenía de una familia de artesanos pobres. “Cézanne ciertamente no tenía un talento natural espontáneo y tuvo que estudiar mucho la pintura”, dijo Stefano Zuffi, un historiador del arte y cocurador de la muestra.“Sin embargo, logró una síntesis excepcional entre un sentido de la composición muy riguroso, muy geométrico y por otro lado, la espontaneidad, la frescura, el color de la luz de la naturaleza”, agregó Zuffi, llamándolo un “genio”.Por contraste, “la grandeza de Renoir consiste en su inagotable ‘alegría de vivir’” y “para él, la vida era hermosa y pintar era una forma de hacerla aún más hermosa”, dijo.Fuente: AFP [Fotos: Piero Cruciatti / AFP]

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La historia de amor de Jorge Drexler y su familia con La Paloma, a través de las canciones

Informador — Sat, 13 Jan 2024 04:15:56 +0000

Jorge Drexler y Kevin Johansen en el festival de la canción iberoamericana La SerenaSon las tres de la mañana y en La Nodriza, el centro neurálgico del Festival de la canción iberoamericana La Serena, un grupo de músicos continúan cuidando que el fuego de la música no se extinga. Hace apenas una hora Jorge Drexler y Kevin Johansen habían actuado en el Cine Teatro La Paloma, en la fecha central del festival, donde compartieron canciones con artistas de otras regiones en un recital de dos horas, que funcionó como termómetro del alcance popular que empieza a tener este encuentro. Pero hay sed de canciones y por eso ahora en la madrugada y con amenaza de lluvia, un grupito continúa la cantarola en el búnker donde conviven, duermen, comen, lavan la ropa, y ensayan, unos treinta artistas de diferentes lugares.Daniel Drexler, el impulsor de esta idea que comenzó con un grupo de amigos alquilando una casa para reunirse a cantar en La Paloma y después de quince años se encuentra frente a un festival que sigue creciendo y no tiene techo, está cantando entre todos ellos. Esta es su utopía y la de su hermano Jorge -también la de su familia-, que eligieron como sede cancionera esta perla costera del departamento de Rocha, unida a una trama familiar que dejó huellas emocionales. Aquí, en la casa de verano que sus padres tenían cerca del faro, hermanos y primos, crecieron y torcieron el destino de una tribu de médicos y maestros, para darle cuerda a las antiguas vitrolas, y que apareciera el oficio de músico profesional en la familia.Daniel Drexler, fundador del Festival La SerenaEn este pueblo, Daniel Drexler y su prima Ana Prada estrenaron sus primeras canciones en público en un boliche tradicional. En su cine los hermanos Drexler vieron sus primeras películas prohibidas como Doña Flor y sus dos maridos, protagonizada por Sonia Braga. En sus playas, Jorge Drexler compuso su primera canción “La aparecida”, la que dio origen a todo su oficio de cantautor. Después llegaron otras canciones donde el ganador de un Oscar volvió una y otra vez al imaginario de este lugar -su mar, su faro, sus experiencias humanas más profundas- que reflejó en el álbum Doce segundos en la oscuridad, o en composiciones como “Camino a La Paloma”, “Noctiluca” (habla de la epifanía de la llegada de su hijo Luca, cuando observó ese mar fosforescente influido por el fenómeno de unas algas marinas), o “Duermevela”, dedicada a su madre Lucero, que cierra su último disco Tinta y tiempo.El lugar para unir el mundo de la diáspora humana y cultural, a través de la canción y crear un encuentro regional que celebre las diferencias, no podía ser otro que La Paloma: ese punto cardinal a tres horas de Montevideo.Playa, puestas de sol y mucha música: La Serena, festival de la canciónAl festival de la canción iberoamericana llegan músicos de América Latina y Europa con una presencia fuerte de cantautores argentinos, uruguayos y brasileños, pero también de México, Ecuador y Colombia: Pablo Grinjot, un espíritu libre que con sus rondas en bicicletas va uniendo y llevando la información de lo que sucede en distintos lugares al mismo tiempo; y Ezequiel Borra y Rodrigo Carazo, multi instrumentistas y denominados los duendes del festival porque aparecen en todos lados, están entre los habitués del encuentro. Artistas como la porteña Delfina Cheb y el uruguayo Facundo Balta son debutantes y están fascinados por el intercambio con gente que hasta hace una semana, no tenían en el radar. En cambio, artistas brasileños como Zelito y Filipe Cato, visitantes de varias ediciones, juegan de local y hacen parcerias con conocidos y desconocidos. También están los infaltables, como Jona Mendez, músico y aprendiz de mago, que todos los años llega desde Costa Rica.La lista es extensa y se va disfrutando a lo largo de siete días de música. Empezó el 2 de enero con las rondas de canciones en la playa La Serena, y terminó con una seguidilla de tres conciertos -6, 7 y 8- en el teatro Cine La Paloma con Jorge Drexler y Kevin Johansen como anfitriones de sus colegas. El bonus track informal fue la celebración del cumpleaños de Daniel Drexler. el martes 9.En La Serena todos son un poco discípulos, maestros y parceiros de canciones. Allí está el músico Pikiki, que lleva el toque de Cuareim y el barrio Sur de Montevideo en la sangre, pasando piques a músicos que nunca pisaron una llamada. El percusionista lideró la cuerda de tambores que marcó el ritmo cardíaco del festival a puro candombe, sobre las pistas de canciones como “Pedro Navaja” de Blades, “Cariñito” de Los Mirlos, o “Don’t Stop ‘Til You Get Enough”, de Michael Jackson, que Paula Drexler disparó desde su computadora, en los atardeceres de la playa y las trasnoches: una especie de madrina de los grooves bailables que le puso otro clima musical al festival.Jorge Drexler, inevitable figura central del festivalAllí, también, está Filipe Catto, cantante y compositora no binaria y una de las estrellas del festival, capaz de encarnar en un tema como “Vapor Barato”, a Ney Matogroso y Gal Costa, al mismo tiempo: canta con una fuerza extraña, como si no supiera lo grande que es.Allí suceden los encuentros entre los primos Jorge Drexler y Ana Prada, con el acompañamiento de la corista Miryam Latrece, en “Palabras de amor”, un tema de Prada que su primo pone en el podio de las canciones más bonitas que se escribieron en español.Hay otras escenas de comunión colectiva como cuando Kevin Johansen cantó el tema “Vecino”, junto a otros artistas de Brasil y Uruguay, como un himno a la celebración de las diferencias y ese espíritu de las serenadas. Al igual que “Sea”, una canción que llegaba al final de esos conciertos largos donde nadie se movía. O esos finales con “Anoche soñé contigo”, donde la gente se quedaba cantando el estribillo como en un coro de cancha, o de murga, cuando los músicos ya se había retirado del escenario.Ana Prada, cantautora y prima de los hermanos DrexlerLo que empezó como un refugio de un grupo de amigos que alquiló una casa en verano para reunirse a cantar, rápidamente se multiplicó y se convirtió en una comunidad. En su momento llegaron a ser treinta y cinco casas alquiladas por gente vinculada al festival, casi un barrio entero. Hoy es difícil contar toda la gente que llega por sus propios medios para participar de alguna manera de las serenadas-solo en las tardes de la playa se juntaron unas dos mil personas-, durmiendo en autos, carpas, casas o en esos containers transformados en hostels.Esas mismas casas se terminan transformando en sedes no oficiales del festival, donde se arman asados, guitarreadas, o presentaciones de libros espontáneas. Por fuera de la programación oficial hay ruedas de canciones, donde la guitarra pasa de mano en mano. De un tucumano a una montevideana. De un porteño a un costarricense. Lo que circula es la palabra.El Festival La Serena se realiza todos los años en el balneario uruguayo de La Paloma, departamento de Rocha, UruguayEn La Nodriza, ese campamento creativo, donde duermen apilados los artistas y hay ensayos a toda hora, tanto que algún vecino se queja por el sonido de un tambor a la medianoche, también hay charlas como las de Alejandro Sequeira, diseñador del logo del festival y especialista en hongos, o de Alejandra Melfo, la prima de profesión física de Jorge Drexler (cuya voz aparecía al inicio de los conciertos de Tinta y tiempo, como inspiradora del tema “El plan maestro”). También hay conciertos especiales como el de Darío Jalfin, uno de los primeros en formar parte de estas serenadas. “Este año estaba difícil para venir, pero después sentí que no podía faltar y me mandé”, dice el músico.Hasta el dúo Ainda, integrado por Yago y Esmeralda, cumplió su propio sueño de cantar junto a Jorge Drexler el tema “Primavera”, que grabaron juntos y publicaron en plena pandemia, en 2020.Acá un solista puede armar una súper banda, con todos los músicos que están dando vueltas y están listos para colaborar con un arreglo de voces o sumarse en la instrumental.Crédito: Mathias Arrizaga / prensa Festival La SerenaLa Paloma es un cruce de caminos en un punto improbable y utópico. Allí tres cordobeses -Candelaria Zamar, Licha y Clara Presta, una que vive en Buenos Aires, otro residente en Madrid, y otra habitante Córdoba, por fin pueden reencontrarse cara a cara y compartir canciones.“Es imposible, es increíble, son cosas que solo se dan acá, en el Atlántico”, dice una fan de las serenadas que viene cada vez que puede.El festival es, como dijo el periodista entrerriano Carlos Rodríguez Puente, una suerte de Naciones Unidas de la música con la vista al Atlántico, las mejores puestas de sol, playas amplias de arenas limpias y un bosque que mantiene la biodiversidad de la zona. Por eso, el encuentro también se suma a las actividades de los vecinos que no quieren que el avance del hombre y el desarrollo de la ciudad atente contra este ecosistema natural.En medio del bosque, un grupo de vecinos conscientes de La Paloma está por plantar un árbol de una especie autóctona. Es un símbolo muy importante. Daniel Drexler pide, entonces, que la siembra sea acompañada por música. Su hermano Jorge va hasta el auto a buscar su guitarra y se la entrega a Zelito. El músico de Porto Alegre dice: “voy a cantar una canción que se llama “Contribuir”. La palabra tiene otro significado: ir con la tribu”.Ahora esa tribu de vecinos y músicos llegados de otros lugares forman una ronda alrededor del árbol y cantan, como si fuera una plegaria. Cada uno vuelca un puñado de tierra para el árbol. Después cantará Kevin Johansen a pedido de su fan, Jorge Drexler. Y después será Jorge, quién cantará “Llueve”, mientras los truenos suenan más fuertes y el cielo se pone negro: “Llueve, llueve y en todos los rincones del país/La tierra está agradecida”. Es como un chamán invocando la lluvia. Nadie se pone a cubierto mientras caen las primeras gotas y Jorge sigue cantando.“Es imposible, es increíble, son cosas que solo se dan acá, en el Atlántico”, dice una fan de las serenadasLa Paloma es una suerte de puerto libre para la canción, una comunidad artística autodenominada los sereneiros, que se cruzan una vez al año en esa intersección de caminos -entre el mundo iberoamericano y lusófono- frente al mar. “Es un sueño hecho realidad”, dice Daniel Drexler.En esta edición las serenadas llegaron a su punto de inflexión. Después de años de autogestión sin ningún tipo de apoyo económico, el festival tuvo por primera vez un sponsor. “Este es un antes y un después en las serenadas”, llega a decir el cancionista y uno de los fundadores del encuentro. Ahora este encuentro está frente a la encrucijada de todo emprendimiento independiente: crecer sin afectar el espíritu. Pero el encuentro de La Serena ya parece ser de todos los que llegan, se van y siguen desperdigando la noticia de este festival por donde vayan, como profetas que anuncian el paraíso de la canción en este punto sur del mapa.Vista del atardecer en la playa de La Paloma (Foto: EFE/Raúl Martínez/Archivo)
(EFEI0499/)Empieza una nueva ronda de canciones en La Nodriza, una de las tres sedes del festival, y entonces Daniel Drexler hace silencio.Es de madrugada, el tucumano Fernando Rossini, que durante el día hace de asistente de producción, alma anfitriona y llegó desde Bariloche, encara una versión de “Imposibles” de Fernando Cabrera. Después le sigue un tema de El Príncipe, otro ícono uruguayo, y se recuesta sobre la letra de una zamba del Cuchi Leguizamón, para llevarla al tiempo de candombe. Todos los que están, un grupo de diez, hacen la clave con la palmas. A ese tema le siguen otros, y otros, en una ronda que parece interminable. En un par de horas llegará el amanecer, pero nadie parece apurado por irse a dormir.[Fotos: Mathias Arrizaga / prensa Festival La Serena]

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Una joven mezzosoprano rusa aspira al estrellato, en una nueva versión de “Carmen”

Informador — Sat, 06 Jan 2024 04:16:35 +0000

Con su potente voz, Aigul Akhmetshina se perfila como una de las grandes figuras líricas de los próximos añosA Aigul Akhmetshina le gusta describirse a sí misma como “una chica común de un pequeño pueblo en medio de ninguna parte de Rusia”.No del todo. Akhmetshina empezó a interpretar canciones folclóricas de su Bashkortostán natal cuando aún era una niña. Su familia no podía permitirse un piano, así que su primer instrumento fue un acordeón. A los 14 años se marchó de casa para estudiar canto en Ufa, la gran ciudad más cercana, a más de 160 kilómetros de distancia, donde se mantenía con pequeños trabajos, como repartir folletos mientras caminaba sobre zancos.”Carmen” se presentan en la Metropolitan Ópera House de Nueva York hasta el sábado 27 de enero (Ken Howard/)Ahora, a sus 27 años, esta “chica común” se enfrenta a uno de los encargos operísticos de mayor repercusión imaginables: protagonizar una nueva producción de Carmen, la popular obra maestra de Bizet, en la Metropolitan Opera, que se estrenó en la última noche de 2023 y continúa en cartel por tres semanas más.El viaje de Ufa a Nueva York no ha sido fácil. Por el camino, Akhmetshina ha tenido que superar múltiples contratiempos, como fracasos en concursos vocales, un accidente de coche que la dejó incapacitada para cantar durante meses, y luego apostar sus esperanzas a un viaje a Moscú sólo para que en un conservatorio le dijeran que no era lo bastante buena para una beca.“Soy muy testaruda, pero cuando oyes constantemente que no tienes talento suficiente, empiezas a pensar que quizá sea verdad”, dijo Akhmetshina en una entrevista. “Todos mis logros ocurrieron porque siempre tuve gente a mi alrededor que creía en mí más que yo”.Entre esas personas cuenta a su profesora Nailya Yusupova, que sigue siendo su entrenadora vocal, y al mánager Marcin Kopec, que la escuchó por primera vez en una “audición de scouting” en Rusia cuando aún era una adolescente.“La recuerdo entrando en la sala, una joven muy segura de sí misma. Se estaba recuperando del accidente de coche y llevaba un collarín”, recuerda Kopec. “Cuando abrió la boca, me senté inmediatamente. El color de la voz era como el de un chocolate negro, cálido y hermoso”.Kopec consiguió más tarde que David Gowland, jefe del programa de jóvenes artistas de la Royal Opera de Londres, la escuchara, y Gowland vio potencial suficiente para llevarla a Londres, donde llegó sin hablar una palabra de inglés.“Todos mis logros ocurrieron porque siempre tuve gente a mi alrededor que creía en mí más que yo”, dice la mezzosoprano (Ken Howard/)Su gran salto a la fama se produjo en 2017, apropiadamente con su primera actuación como Carmen, en la versión condensada de la ópera de Peter Brook. “Su canto y su actuación nos dieron una Carmen gloriosamente sensual”, escribió William Hartston en el Daily Express. “Su potente voz y sus maneras seguras y seductoras eran perfectas para el papel”.A continuación triunfó en la obra completa de la Royal Opera, y luego se tomó un descanso de tres años para explorar el repertorio belcantista. Pero ahora Carmen ha vuelto con fuerza. “Empecé la temporada con ella en septiembre en Múnich, luego en octubre en Berlín, ahora está aquí, después Londres, luego Glyndebourne y otra más que no se ha anunciado”, dijo Akhmetshina. “Llamo a este año Cincuenta sombras de Carmen porque tengo muchas”.“Su canto y su actuación nos dieron una Carmen gloriosamente sensual”, escribió un crítico inglésEscuchando a Akhmetshina hablar del papel -una mujer carismática y ferozmente decidida que no sigue las reglas de la sociedad-, a veces suena casi como si estuviera describiendo su propia vida, sin el trágico final. “Se trata de una mujer con un pasado y una infancia difíciles que también sueña con un futuro feliz”, afirma. “Soy una luchadora. Tuve que serlo, y cuando tienes que demostrar que eres dueña de tu lugar, eso te da una fuerza extra”.Esa visión encaja bien con la descarnada producción de la directora Carrie Cracknell, que traslada la acción de la Sevilla del siglo XIX a un Estados Unidos posindustrial, donde muchos de los hombres están desocupados y resentidos con las mujeres que tienen trabajo. La fábrica de cigarrillos donde trabaja Carmen se ha convertido en una fábrica de municiones, y Escamillo, el apuesto rival de Don José por el afecto de Carmen, es campeón de rodeo en lugar de torero.“Creo que Aigul tiene una comprensión profunda y totalmente instintiva del mundo de Carmen”, dice Cracknell. “En parte porque ha luchado tanto para llegar a este lugar en una etapa tan joven de su carrera. El papel requiere una ferocidad y un compromiso total con la historia, y Aigul realmente lo tiene”.La producción de la directora Carrie Cracknell en el MET traslada la acción de la Sevilla del siglo XIX a la América postindustrialAun así, puede parecer una apuesta arriesgada crear una nueva producción en torno a una cantante tan joven. Debutó aquí la temporada pasada en el papel relativamente pequeño de Maddalena en Rigoletto de Verdi. Pero el director general del Met, Peter Gelb, apuesta por ella. “Aigul tiene una voz rica y hermosa, fuertes instintos teatrales y presencia, y el coraje de ir a por todas en el escenario”, dijo Gelb. “Todo en la ópera es un riesgo, pero Aigul es lo más parecido a un valor seguro que existe”.De hecho, Gelb ya la ha contratado para futuras temporadas para cantar en El barbero de Sevilla de Rossini y en Samson et Dalila de Saint-Saens. Más adelante, espera interpretar a la princesa Éboli en Don Carlo, de Verdi, y después, quizá dentro de unos 10 años, los dos papeles de mezzo más dramáticos de Verdi: Amneris en Aida y Azucena en Il Trovatore.Carmen, también protagonizada por Piotr Beczala como Don José, la soprano Angel Blue como Micaela, el bajo-barítono Kyle Ketelsen como Escamillo y dirigida por Daniele Rustioni, se representará hasta el sábado 27 de enero. La función matiné de ese día se retransmitirá en directo en alta definición a los cines de todo el mundo.Fuente: AP[Fotos: Ken Howard/Met Opera vía AP]

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Quién es Ayo Edebiri, la gran revelación de la serie “The Bear”

Informador — Tue, 02 Jan 2024 04:16:20 +0000

Ayo Edebiri posa para un retrato el jueves 29 de junio de 2023, en West Hollywood, California. Edebiri ha sido nombrada artista revelación 2023 por The Associated Press (Chris Pizzello/)En 2023, Ayo Edebiri estuvo en todas partes.La actriz nominada al Emmy de 28 años protagonizó Bottoms (El club de las peleadoras) y Theater Camp (Ensayo General), dio su voz para Teenage Mutant Ninja Turtles: Mutant Mayhem (Tortugas Ninja: Caos mutante), fue estrella invitada en las series Abbott Elementary y Black Mirror, y regresó para la segunda temporada de The Bear, la serie que inicialmente llevó a la fama a esta comediante y guionista convertida en actriz.Con papeles en todo, de comedia adolescente de acción brutal y obscena, pasando por películas animadas y dramas de cocina, Edebiri consiguió su lugar como una de las artistas revelación 2023 de The Associated Press.“Creo que no es la razón por la que haces todo esto, pero es muy aleccionador y conmovedor que esté sucediendo porque creo que significa que la gente está respondiendo a mi trabajo”, dice Edebiri sobre su reconocimiento durante una videollamada en medio de un rodaje en exteriores de Nuevo México. “Y eso es todo lo que puedes pedir como artista, que la gente tome lo que estás dejando, de cualquier manera”.Al crecer, Edebiri se presentaba en la iglesia de sus padres y, a menudo, actuaba con sus amigos cuando estaba en la secundaria y el bachillerato.En pleno rodaje en Nuevo México, Ayo Edebiri comparte sus reflexiones sobre el inesperado reconocimiento (Chris Pizzello/)“Creo que (la iglesia) fue mi primer contacto con todo, en realidad, con la música, con las artes escénicas, con hablar frente a la gente”, dice. “Creo que realmente me encantan las presentaciones en vivo, especialmente esa sensación de estar en un espacio comunitario”.Edebiri siempre había imaginado que tendría un trabajo más práctico como ser maestra, profesión en la que se especializó en la Universidad de Nueva York, aunque realizaba monólogos por la ciudad en su tiempo libre. No fue hasta que conoció a otras comediantes negras exitosas que se ganaban la vida con el arte y aún podían obtener un seguro médico que comenzó a considerar la idea de dedicarse a la comedia profesionalmente.“Yo, especialmente como hija de inmigrantes, necesito pruebas frías y contundentes”, dijo Edebiri cuya madre es de Barbados y cuyo padre es de Nigeria. “No necesito un sueño. Necesito saber que me puedo hacer un examen dental y de la vista una vez al año”.Cambió su especialidad de enseñanza a dramaturgia: “Me di cuenta de que preferiría hacer eso y ser feliz, que estar siempre con la duda”, dijo.Pronto comenzaría a conseguir trabajos de guionista en programas como Sunnyside, Dickinson y Big Mouth, además de papeles menores de actuación. Más tarde, Edebiri se convirtió en la voz de Missy en Big Mouth y consiguió un papel recurrente en Dickinson.Desde sus días en la iglesia hasta la alfombra roja, Edebiri revela sus inicios en las artes escénicas y cómo su amor por la comunidad creativa la ha guiado a lo largo de su exitosa carrera (Chris Pizzello/)“Tuve mucha suerte de tener gente de mi lado que me decía: ‘Te vamos a ayudar’. ¿Por qué no lo haríamos?’”, dice Edebiri.A medida que asciende, uno no puede evitar notar la comunidad creativa de la que se rodea, una línea constante que parece conectada con sus primeros días como artista que amaba el aspecto comunitario de las artes.“He tenido la suerte de ser parte de todos estos grupos diferentes, y soy afortunada de que las personas que amo también se amen entre sí y, ya sabes, tienen personas a las que aman y me presentan con ellos”, dice.Ella y su vieja amiga y colega Rachel Sennott (Bottoms) realizan trabajo creativo juntas desde que estudiaron en la Universidad de Nueva York. También cuenta entre sus amigos con Molly Gordon (Theater Cam, The Bear), Quinta Brunson (Abbott Elementary) y Christopher Storer, el creador de The Bear.“Conozco a Chris desde que tenía 21 o 22 años. Siento que también lo he estado viendo crecer, a pesar de que es mayor que yo, muy exitoso y un genio”, dijo. “Yo digo, ‘Oh, sí, como si te estuviera viendo crecer; me estás viendo crecer en mi confianza como intérprete, en mi gusto’”.El ascenso meteórico de Ayo Edebiri desde maestra aspirante a la sensación del entretenimiento queda evidenciado en su evolución, desde monólogos en Nueva York hasta papeles destacados en ‘Big Mouth’ y ‘Dickinson’ (Chris Pizzello/)Después de ser nominada en la categoría de actriz de reparto en una serie de comedia para los próximos premios Emmy, como reconocimiento a su trabajo en la primera temporada de The Bear, ella buscará competir en la categoría de actriz principal para la segunda temporada. Edebiri dice que está agradecida por el cambio, no porque sea una categoría más elevada, sino porque deja espacio para sus compañeras de reparto.“También significa que Abby (Elliott) y Liza (Colón-Zayas) podrían ser reconocidas por su trabajo en el programa en la categoría de reparto. Realmente somos una pieza de conjunto”, dice.Al igual que la niña que crecía en la iglesia, el amor de Edebiri por las artes todavía gira en torno a la creación de un espacio en comunidad con sus compañeros artistas.“Creo que somos muy afortunados de tener ese tipo de alquimia entre nosotros”, dice sobre el elenco de The Bear. “Realmente me encanta trabajar en ello y amo a todos los que forman parte de ello”.Cuando ella gana, todos los demás ganan.Fuente y fotos: AP (Chris Pizzello)

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El proyecto de “ley ómnibus” de Milei propone cerrar el Fondo Nacional de las Artes, reformar la Conabip y desregular las librerías

Informador — Thu, 28 Dec 2023 00:15:28 +0000

escucharescucharEn el proyecto de “ley ómnibus” enviado hoy al Congreso por el Poder Ejecutivo Nacional se propone, entre otros cierres de organismos públicos recortes presupuestarios y reformas, el del Fondo Nacional de las Artes (FNA), creado por el decreto/ley 1224 de 1958. El artículo 589 de la ley bautizada “Bases y Puntos de Partida para la Libertad de los Argentinos” deroga la norma con la que se creó el FNA, y en el artículo 590 establece que el Poder Ejecutivo Nacional “procederá a la reasignación de recursos humanos, presupuestarios y materiales con motivo de la derogación prevista en el artículo anterior”. Asimismo, la Comisión Nacional de Bibliotecas Populares (Conabip) y las librerías también son blanco de las reformas mileístas, de alto impacto en el campo de la cultura.PUEBLOS Y PARAJES DE LA ARGENTINA: PARA DISFRUTAR DEL VIAJE COMO SI FUERA UNA AVENTURAEl FNA, mediante concursos y becas, apoya y promueve el desarrollo de artistas, gestores y organizaciones culturales. De 1958 a 1973, la escritora Victoria Ocampo presidió el FNA. El financiamiento proviene del cobro del “dominio público pagante” a editoriales, productoras de cine y empresas que exploten comercialmente obras libres de derechos. Si bien el FNA depende del Ministerio de Cultura (ahora Secretaría de Cultura, a cargo del aún no designado productor de espectáculos Leonardo Cifelli), es un organismo autónomo y con autarquía funcional, administrativa y financiera.Javier Torre, flamante presidente del Fondo Nacional de las Artes, se manifestó desconcertado con la propuesta del presidente de derogar el organismo que fundó Victoria OcampoImdbA principios de mes, Cifelli había designado al cineasta y escritor Javier Torre que esta tarde, en diálogo con LA NACION, manifestó su desconcierto con la propuesta de cierre. “El FNA es una entidad intachable, admirada internacionalmente, que guarda la obra y el espíritu de nuestros artistas e intelectuales -dice Torre-. Es autárquico, lleno de la energía de nuestros jóvenes que han recibido su apoyo y su contención. Jorge Luis Borges, gran primer premio del FNA; Astor Piazzolla, Alejandra Pizarnik, Antonio Berni, Leopoldo Torre Nilsson, Leonardo Favio, Emilio Petoruti están inquietos en el paraíso, no queriendo escuchar esta triste noticia que ensombrecería a la Argentina”. Mañana a la mañana, Torre se reunirá con el personal del organismo.Josefina Rouillet, esposa del asesor de Milei en la reforma del Estado, Federico Sturzenegger, fue gerenta general del FNA durante la gestión de Carolina Biquard, en el gobierno de Cambiemos.Bibliotecas PopularesLa “ley ómnibus” incluye la reforma de la Comisión Nacional de Bibliotecas Populares (Conabip), creada por Domingo Faustino Sarmiento hace 153 años. Varios artículos de la ley 23.351 son reemplazados en el proyecto. Primero establece que se las clasifique según la cantidad de obras, el movimiento diario de esas obras y las actividades culturales que desarrollen. A continuación, se informa que las bibliotecas populares dependerán de los subsidios que el Congreso les otorgue; para obtenerlos, se deberá acreditar “la necesidad social de los servicios en la zona de influencia de la Biblioteca Popular”, “las necesidades específicas para el crecimiento de las bibliotecas más carenciadas” y “el mayor esfuerzo” realizado en la prestación de servicios (no se determina quién lo evaluaría).La Conabip también cambiaría de nombre si se aprueba esta ley. Pasaría a llamarse Comisión Nacional Protectora de Bibliotecas Populares y continuaría bajo la órbita de la Secretaría de Cultura. Estaría a cargo de un presidente, un secretario y cinco vocales designados por el PEN. Solo el primero sería remunerado por sus tareas. Días atrás, trascendió que el bibliotecario y escritor Raúl Escandar sería el presidente del organismo. Para María del Carmen Bianchi, funcionaria saliente del área, estas reformas “arrasarían con una política de lectura de más de un siglo y medio”. Y agrega: “Demuele los objetivos, los recursos y la participación federal, además del modelo de relación entre el Estado y la sociedad. Al cancelar las asignaciones específicas, sancionadas en 2022, los fondos que se asignarán a cada organismo dependen del Congreso. Hay un agravante en ese sentido y es que en la medida en que la dependencia es de bajo rango tiene menos posibilidades de incidir en la distribución de los recursos que le tocan”.Milei manda proyecto en el que deroga la Ley de PVP de libros. La Ley 25.542. Con estos las grandes superficies, supermercados, cadenas, van a atentar contra las librerías independientes y contra todo el sector. Y el primero que diga lo contrario es un ignorante.— Blatt & Ríos (@BlattyRios) December 27, 2023

Por último, en el artículo 60 se propone la derogación de la ley 25.542 de precio de uniforme de venta al público de libros o precio único. Esto supondría que cadenas de librerías o cualquier otro comercio (supermercados, por ejemplo), si lo quisieran, podrían vender libros a un precio similar e inferior al del costo, lo que supondría el cierre rápido y definitivo de librerías más pequeñas, que no podrían competir con tal estrategia. Por otro lado, la bibliodiversidad se vería afectada y las editoriales independientes, cuyos catálogos no son tan masivos como los de las que publican best sellers, correrían riesgo de supervivencia.“Vengo estudiando el funcionamiento de la ley de precio uniforme, acá y en otros países, y se me ocurren varias cuestiones que podrían mejorar su implementación para incrementar el número de librerías en el país, pero ahora, volarla así, sin más, es insensato -dice a LA NACION el investigador Alejandro Dujovne-. Es posiblemente la ley con mayor consenso en el sector”.“Las grandes superficies, como los supermercados, pueden vender libros por debajo del precio del mercado o bien porque asumen la diferencia, o bien porque logran un descuento de las editoriales al comprar grandes cantidades -remarca Dujovne-. En cualquier caso, ese poder económico termina asfixiando a las librerías, que aportan valor y diversidad a la cadena del libro, al garantizar que un mayor número de autores y editoriales puedan comercializar sus obras, y que el público pueda acceder a una oferta editorial más variada y de calidad”.LA NACION intentó comunicarse con el designado secretario de Cultura, el productor de espectáculos Leonardo Cifelli, pero aún no obtuvo respuesta. Cifelli, cuyo nombramiento aún no se publicó en el Boletín Oficial, hace días que está off line, al menos con la prensa.RepercusionesLa Fundación El Libro, organizadora de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, expresó “enfáticamente” su repudio del proyecto de derogación de la ley de defensa de actividad librea en un comunicado donde también rechaza el cierre del FNA y el Instituto Nacional del Teatro.“La Fundación El Libro, institución integrada por la Cámara Argentina del Libro, la Cámara Argentina de Publicaciones, la Sociedad Argentina de Escritores; la Cámara de Librerías, Papeleras y Afines; la Federación Argentina de la Industria Gráfica y el Sector español de Libros y Revistas, manifiesta su total y absoluto rechazo a los proyectos de derogaciones de leyes fundamentales para el funcionamiento del valioso y admirado sistema cultural argentino”La Cámara Argentina del Libro también manifestó su “su preocupación por el proyecto de Ley de Bases y Puntos de Partida para la Libertad de los Argentinos, recientemente presentado por el Poder Ejecutivo que propone derogar la Ley de Defensa de la Actividad Librera Nro. 25.542, iniciativa apoyada y llevada adelante por toda la cadena del sector del libro”. Para la CAL, este proyecto “pone en riesgo la existencia de las pequeñas y medianas librerías y consecuentemente, el acceso a la lectura y a la bibliodiversidad de forma federal e igualitaria”.La CALI -Cámara Argentina de Librerías Independientes- también se manifestó en contra de la intención de derogar la Ley 25.542. “Advertimos el peligro que supone para el ecosistema librero, para la industria del libro en su conjunto y para sus destinatarios, lectoras y lectores -se lee en su comunicado-. Las librerías somos espacios culturales de encuentro, intercambio y vinculación con los lectores y también con toda la cadena del libro, a la que aportamos valor en el trabajo diario con editoriales pequeñas, medianas y grandes”.Daniel GigenaSeguí leyendoSignifica confrontación. ¿Cuál es la palabra del año en español?A los 75 años. Falleció la periodista y escritora María Seoane”Salvaje” y confesional. Reapareció Alessandro Baricco en un podcast luego de tratarse por leucemia: “Soy un hombre afortunado y muy feliz”TemasArte y CulturaLibrosLibreríasArteBibliotecasConforme a los criterios deConocé The Trust ProjectOtras noticias de Arte y CulturaEn Nordelta. Decenas de ejemplares del libro más leído y vendido del mundo se exhiben en el Museo de la BibliaSignifica confrontación. ¿Cuál es la palabra del año en español?A los 75 años. Falleció la periodista y escritora María Seoane

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‘Gaseados’, de Singer Sargent: la restauración de una obra maestra que transmite el dolor y la desolación de la guerra

Informador — Tue, 19 Dec 2023 14:16:30 +0000

escucharescucharEl día en que John Singer Sargent se cruzó con un grupo de soldados víctimas del gas mostaza, cegados por las vendas que intentaban aliviar el insoportable dolor de sus ojos y apoyados sus brazos en el hombro del compañero de adelante en una ordenada fila de desolación, el pintor encontró un nuevo lenguaje para contar las guerras del siglo XX.El Museo de la Guerra Imperial de Londres (IWM, en sus siglas en inglés) inauguró el mes pasado como parte del inmenso complejo del antiguo Hospital Real de Bethlem, las Galerías Blavatnik de Arte, Cine y Fotografía, un espacio consagrado al modo especial en que los artistas han documentado los conflictos bélicos del mundo. Y el centro en torno al que gravita la exposición permanente es un inmenso lienzo de seis metros de largo y dos de ancho. Una obra en la que los restauradores del museo han trabajado durante dos años para recuperar su profundidad, sus colores, sus detalles y sus múltiples significados.Los restauradores del museo trabajaron durante dos años para recuperar la profundidad, los colores y los detalles de “Gaseados”IWMGassed (Gaseados) es uno de los cuadros más venerados por los británicos. Deja atrás ese empeño de la pintura de guerra del siglo XIX en glorificar victorias y gestas de un imperio a punto de entrar en decadencia para mostrar el lado más humano del heroísmo. El sacrificio, la pérdida, el sufrimiento, la solidaridad y la esperanza de redención de unos hombres jóvenes que avanzan a ciegas por los rescoldos de un conflicto mundial absurdo.“Durante la Primera Guerra Mundial, la tarea encargada a los artistas es muy diferente. Son contratados para registrar en su obra la experiencia bélica”, explica a El País Rebeca Newell, la directora de Arte del IWM, que ha supervisado las tareas de reconstrucción del simbólico cuadro de Singer Sargent. “Hay una clara voluntad de mostrar respeto a estos hombres. No se pretende glorificarlos, sino realzar su sacrificio. Es un intento por mostrar la realidad tal y como es”, señala.Devuelven al Museo de la Guerra Imperial el lienzo de Sargent el 19 de julio después de su restauraciónRob Stothard – Getty Images EuropeEl desafío de la guerraEn 1918, el pintor tenía 62 años, y se había consagrado y enriquecido con sus maravillosos retratos de la aristocracia británica y la emergente burguesía estadounidense. No era el mejor tiempo para afrontar riesgos artísticos. Su fama y prestigio, sin embargo, convertían a Singer Sargent en pieza clave del empeño del Gobierno británico en contar la historia de una guerra que estaba cambiando el mundo. El primer ministro, David Lloyd George, escribió personalmente al artista para que contribuyera a los trabajos de la Comisión Británica de Monumentos de Guerra. Su pieza sería el centro de un nuevo espacio imaginado para grabar en la memoria de los ciudadanos aquellos años de dolor y esfuerzo.Aunque dieron a los pintores y escultores contratados libertad para crear su contribución, ciertos motivos de inspiración fueron sugeridos. A Singer Sargent, hijo de unos estadounidenses millonarios, amantes del arte y nómadas, que movieron a toda su prole por Europa durante años, el Gobierno le pidió que reflejara en su lienzo la colaboración bélica angloestadounidense.QUIÉN FUE MADAME X, LA MUJER DE LA ALTA SOCIEDAD CUYO RETRATO DE JOHN SINGER SARGENT ESCANDALIZÓ AL PARÍS DE LA BELLE ÉPOQUEEn busca de ideas para un encargo insípido, el pintor partió hacia el frente de Francia y Bélgica en julio de 1918, acompañado de su amigo, el maestro de arte y también pintor Henry Tonks. Singer Sargent quería plasmar una épica a la altura del encargo recibido, pero a medida que avanzaba hacia la primera línea solo encontraba ruinas, chatarra bélica, suciedad, largas esperas y días aburridos. En definitiva, la mediocridad y decepción que narró con tanta precisión el escritor Robert Graves en Adiós a todo eso, la obra canónica sobre la Primera Guerra Mundial.Hasta que llegó un rayo de inspiración, el 21 de agosto de 1918. Cuenta Tonks, en una carta al secretario de la comisión, Alfred Yockney, cómo una tarde en la que Singer Sargent y él disfrutaban de un té en Doullens fueron avisados de que un grupo de hombres víctimas de gas venenoso estaban siendo atendidos en el hospital de campaña de Bac-du-Sud, al noroeste de Francia, donde hoy se levanta un cementerio de soldados británicos.La Primera Guerra Mundial incorporó una nueva arma sucia, aterradora y desleal: los gases venenosos. El cloro, que atacaba a los pulmones y asfixiaba a las personas; el fosgeno, incoloro e inodoro y aún más letal y traicionero, porque sus efectos tardaban hasta veinticuatro horas en manifestarse; o el terrible gas mostaza, que destrozaba los pulmones y quemaba la piel hasta reventarla en multitud de ampollas.Los soldados, en su candidez humana, podían pensar que esquivarían la metralla, o que su cuerpo resistiría el impacto de las balas, pero el miedo los paralizaba cuando sonaba el gong que alertaba de un ataque tóxico. El gas avanzaba como un ectoplasma y amenazaba con sufrimientos insoportables.“Los hombres gaseados no dejaban de llegar, en grupos de seis y dirigidos de un modo ordenado, como los retrató Sargent. Se sentaban o echaban en la hierba. Había varios centenares de ellos. Era evidente lo mucho que estaban sufriendo”, cuenta en su carta Tonks. “Especialmente sus ojos, que llevaban cubiertos con unas gasas… Sargent estaba impactado con la escena y comenzó de inmediato a tomar notar y crear bocetos”, recuerda.¿El amarillo del gas mostaza?Nueve soldados con los ojos vendados, dubitativos y derrotados, caminan en fila. Cada uno se aferra al hombro del compañero de adelante. Uno da la espalda al espectador, para vomitar. Otro levanta exageradamente su pierna derecha, por miedo a tropezar en un escalón de altura incierta. Les dirige un enfermero, por una pasarela de madera, hacia la tienda del hospital de campaña, de la que solo se ven los tensores de cuerda.Al fondo, a la derecha, acompañados de una inmensa luna en un atardecer rosa, otro grupo de gaseados avanza en la misma dirección. También uno de ellos vomita.Y más al fondo, entre las piernas del friso central de penitentes, soldados con camisas rojas y azules juegan un partido de fútbol.“Vemos un cierto orden. Vemos uniformes para cada uno de los equipos. Hay orden, no caos. Podemos ver en la imagen el contraste entre el sufrimiento de unos y la salud de otros. Jóvenes cuya vida ha sido truncada en el mejor momento, mientras otros siguen adelante”, sugiere ante el cuadro Rebecca Newell. “Pero también podemos ver la imagen de la rutina en la guerra contemporánea, donde un partido de fútbol sigue adelante a pesar de todo lo que está ocurriendo. Una tremenda escena de sufrimiento a la que se añade de fondo el discurrir del día a día”, describe.En los años setenta, los responsables del museo aplicaron una capa de barniz para preservar un cuadro visitado y adorado por miles de personas. En una obra más oscura, la tendencia a amarillear de la capa protectora habría pasado desapercibida. En el lienzo de Sargent, donde cada detalle se convierte en un significado único, el amarillo se adueñó de la composición y las generaciones siguientes quisieron ver el tono uniforme y letal del gas mostaza en las dimensiones planas de una obra descolorida.“Al limpiar poco a poco las capas de barniz surgió una revelación. Comencé a ver cómo emergían los tonos rosas, amarillos y verdes del cielo, sutiles y suaves. Una reminiscencia del trabajo previo de Sargent con Monet”, cuenta el restaurador jefe, Phil Young. “Y el suave perfil de los soldados contra el atardecer, casi con su propia luz, se hizo más aparente. La tridimensionalidad de la obra, incluidos los futbolistas a lo lejos, fue descubriéndose”, explica.La imagen de la guerraGassed fue expuesta en la Exposición de Verano de la Royal Academy of Arts de 1919. Era la pieza central, en un momento en el que se debatía el uso del arte al servicio de la nación en el nuevo mundo de la postguerra. Las vanguardias tenían su duda ante tanto sentimentalismo. La crítica de la escritora Virginia Woolf al cuadro fue demoledora. La imagen exagerada del soldado que levanta la pierna ante el escalón incierto le irritó especialmente. “Este pequeño detalle de exceso de énfasis es el último rasguño del bisturí del cirujano”, escribía en su artículo para la revista The Atheneum. “Cubre los ojos de los soldados con gasas para reclamar nuestra compasión”, pretendía denunciar Woolf.“Y, sin embargo, cuando el público pudo ver la obra en el IWM, muchos de los veteranos de guerra que habían estado allí, que habrían sufrido los ataques del gas, dijeron: ‘Así es exactamente lo que ocurrió. Era caótico, torpe, con pasos en falso. Resultaba difícil orientarse. Las víctimas estaban esparcidas por el suelo”, refuta Newell.No era la primera vez, ni sería la última, en la que la gran masa de la opinión pública se alejó de las sutilezas y matices de los intelectuales para abrazar las muestras de heroísmo, solidaridad y nobleza, por cursis y sentimentales que pudieran ser, en medio del inmenso sufrimiento humano que se intuye de una guerra. Los británicos no tienen su Guernica, para reflejar la atrocidad y la devastación; ni su Dos de Mayo, para glorificar la derrota. Gassed, de Singer Sargent, es el modo de celebrar el dolor y la promesa de redención de la Gran Guerra, que se llevó por delante a toda una generación de hombres jóvenes.Rafa de MiguelEL PAISSeguí leyendoGérard Depardieu, ni en figurita. Retiran la estatua del actor denunciado por violencia sexual del museo de cera de París por la reacción del públicoTras la polémica. El secretario de Cultura de Milei llamó al cantante lírico que fue despedido por sus opinionesTenía 90 años. Murió el filósofo y profesor italiano Toni NegriTemasLondresMuseosSegunda Guerra MundialConforme a los criterios deConocé The Trust ProjectOtras noticias de LondresFuncionó 87 años. El Ferrocarril de la Necrópolis, el tren donde solo viajaban los muertos (y sus deudos)Batalla legal. La nueva causa por la que el príncipe Harry lleva al gobierno británico a la justicia”Serio y preocupante”. Denuncian un presunto ciberataque de grupos rusos y chinos a una planta nuclear inglesa

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Cumbre político-cultural en la reinauguración de Clásica y Moderna, ahora como C y M Libros

Informador — Tue, 12 Dec 2023 16:17:34 +0000

escucharescucharEn el primer día de la “nueva era” anunciada por el presidente Javier Milei en el Congreso Nacional, como un ave fénix reabrió sus puertas Clásica y Moderna, ahora C y M Libros, en Callao 892. Empresarios y académicos, escritores, sacerdotes y funcionarios nacionales y de la ciudad de Buenos Aires, filósofos, cantantes y artistas se dieron cita en la librería-restaurante que Natu Poblet había convertido en una “fortaleza cultural” y que, tras años de permanecer cerrada y en custodia judicial, revivió apoteósicamente por iniciativa de la empresaria y profesora Raquel Rodrigo.Frente a la vidriera de la avenida Callao, los conductores reducían la velocidad para asomarse por la ventanilla y preguntar qué pasaba. “¡Reabrió!”, les respondían a viva voz desde la veredaSantiago Cichero/AFVPor acumulación de deudas, Clásica y Moderna había cerrado en 2019, dos años después de la muerte de la librera y gestora Natu Poblet. En 2023 la celebración es doble: la reapertura coincide con el 85° aniversario de la fundación mítica de Clásica, en 1938, por Francisco Poblet y Rosa Ferreiro.Amelita Baltar posó con gran estilo para las cámaras en la vereda de Callao 892Santiago Cichero/AFVPor la red carpet colocada en la vereda desfilaron el escritor Santiago Kovadloff y las cantantes Sandra Mihanovich y Amelita Baltar, las actrices Alejandra Radano y Ana Fontán; el secretario de Cultura de la Nación, Leonardo Cifelli, y la ministra de Cultura porteña, Gabriela Ricardes; los integrantes de la Academia Argentina de Letras Alicia María Zorrilla, Luis Felipe Oteriño, Pablo Cavallero, Leonor Acuña, Eduardo Álvarez Tuñón, Antonio Requeni y Oscar Conde; el empresario Francisco de Nárvaez, el compositor y gestor artístico Gustavo Mozzi, el coreógrafo Gerardo Litvak y el editor Mariano Roca, los escritores Jorge Sigal y Josefina Delgado, las curadoras Cecilia Molina y María Teresa Constantin, y las periodistas Nora Lafón y Susana Reinoso. Sus nombres figuraban en la lista de los más de ochenta invitados. Muchos de ellos fueron amigos de Natu Poblet.La ministra de Cultura porteña, Gabriela Ricardes: “Era triste pasar y ver las persianas bajas”, dijoSantiago Cichero/AFV“¿Estás en la lista?” debe haber sido una de las preguntas más formuladas en la puerta de C y M Libros, ayer a la tarde. Y la emoción predominante, no solo entre los invitados sino también entre los vecinos del barrio y los transeúntes, fue la alegría por la recuperación de una librería que se convirtió en un centro cultural y artístico que muchos otros supieron emular. Del artista Patrick Gläscher, de la galería Praxis, se exponen en el local tres imponentes pinturas que se pueden apreciar incluso desde la calle.Sandra Mihanovich honró la vuelta a la vida de Clásica y Moderna
Santiago Cichero/AFVEl director cultural de la Fundación El Libro, Ezequiel Martínez, que no estaba en la lista, intercambió en la puerta de C y M Libros unas palabras con el secretario de Cultura, y le anticipó que le pedirían una reunión para hablar de la presencia de Nación en la próxima Feria del Libro porteña. “¿Hay que poner plata? Miren que no hay plata”, bromeó a medias Cifelli. Javier Martínez, que sí estaba en la lista, conversó con Cifelli dentro del local. El saliente ministro de Cultura porteño Enrique Avogadro llegó en bicicleta al concurrido evento y expresó su satisfacción por la reapertura.Nora Lafón en la entrada de C y M LibrosSantiago Cichero/AFVEl tenor Fermín Prieto y el pianista del Coro Polifónico Nacional, Claudio Santoro, interpretaron el Himno Nacional. A continuación, Cifelli, Kovadloff y Rodrigo dijeron unas palabras. En su discurso, Rodrigo contó detalles del modo en que había rescatado el lugar.La empresaria Raquel Rodrigo, nueva dueña del lugarSantiago Cichero/AFV“Qué alegría estar acá, rodeado de historia, artistas y amigos -dijo Cifelli luego de que los asistentes cantaran el Himno Nacional-. Para mí es un honor acompañar a Raquel en este emprendimiento que significa esfuerzo personal, inversión y, al mismo tiempo, un aporte a la cultura argentina. Porque eso es Clásica y Moderna, parte de nuestra cultura. Hoy Raquel nos demuestra que cultura, inversión y trabajo van de la mano. Acá está el ejemplo de lo que queremos hacer en la Secretaría de Cultura: proyectos de calidad que promuevan la cultura nacional y generen trabajo”.El empresario Francisco de Narváez felicitó a Rodrigo por la recuperación del local fundado en 1938Santiago Cichero/AFVEl funcionario destacó que el país tiene un “potencial increíble” y que la cultura sería parte del crecimiento del país. “La Argentina que viene va a premiar el esfuerzo de quienes trabajan por un país mejor, la industria cultural va a cumplir un rol protagonista de la escena -dijo-. Hoy es el primer día de gestión de Javier Milei y no encuentro mejor forma de honrarlo que reabriendo este espacio emblemático para la cultura argentina. Clásica y Moderna hoy es el símbolo de lo que viene: una Argentina mejor, que con una gestión eficiente, que ponga las cosas en orden, va a reabrir sus puertas al mundo, va a generar confianza y esperanza”.”Para mí es un honor acompañar a Raquel en este emprendimiento que significa esfuerzo personal, inversión y, al mismo tiempo, un aporte a la cultura argentina”, dijo Cifelli anocheSantiago Cichero/AFVEn un momento, Cifelli salió a conversar con la prensa. “Yo vengo del teatro y soy así, simpático -se definió el funcionario-. Javier y Karina me dicen que no soy como el típico político, pero tengo experiencia en la gestión”. Cifelli adelantó que este año no habría en la agenda de cultura “esos shows de treinta millones de pesos”.La psicoanalista Patricia Leyack y su pareja, Santiago Kovadloff, en C y M LibrosSantiago Cichero/AFVE insistió: “Como dijo el presidente, no hay plata”. A su vez, disipó el temor de que en su área se ejecutaran grandes recortes y despidos. “La gente que quiere trabajar se va a quedar”, afirmó, y dijo que los nombramientos que faltan para completar su equipo se harían en el transcurso de esta semana o, a más tardar, la próxima.Oscar Conde visitaba Clásica y Moderna desde sus años de estudiante de Letras, ahora lo hará como profesor e integrante de la Academia Argentina de LetrasSantiago Cichero/AFV“En el país de la fuga de capitales, de las empresas que cierran y de los jóvenes que emigran en busca de un horizonte previsible y provechoso para desarrollar su porvenir, nadie tiene sin embargo la última palabra -dijo Kovadloff, que en el encuentro leyó un poema de Requeni y recitó textos con el grupo Orfeo, que integra con Ana Chaves y Federico Mouján-. También aquí, pese a todo y contra todo, es posible lo inesperado y lo que parece inverosímil: renacer, volver a la vida, desbaratar al pájaro de mal agüero y dar signos de energía y creatividad donde ya no se los esperaba. Clásica y Moderna, ahora rebautizada como C y M Libros, vuelve a abrir sus puertas. El emblemático café, escenario de los buenos libros, los espectáculos gratos y las comidas placenteras reinaugura esta noche su propuesta cultural y culinaria luego de algunos años. Lección para descreídos, ventura para quienes nos reencontramos con ese lugar tan querido y tan porteño”.Sandra Mihanovich, amiga de Rodrigo, dio un íntimo miniconcierto en la reapertura de la librería y restauranteSantiago Cichero/AFV“Para mí fue como si hubiera estado ayer -dijo la escritora Josefina Delgado a LA NACION-. Fue todo muy lindo y emotivo para los amigos que estuvimos con Natu hasta su muerte. El lugar está muy bien conservado y adaptado al presente; el espíritu del lugar está intacto”.La hija de Raquel Rodrigo y su nieto, junto con otros miembros de la familia, asistieron emocionados a la reapertura de la librería Santiago Cichero/AFVLa profesora brasileña Ida Guberp se detuvo emocionada en la puerta de C y M. “Siempre venía aquí antes de la pandemia, a cenar y a buscar libros; qué felicidad que haya abierto otra vez”, expresó. Por la avenida Callao, los conductores reducían la velocidad para asomarse por la ventanilla y preguntar qué pasaba. “¡Reabrió!”, les respondían a viva voz desde la vereda.El escritor y académico Antonio Requeni y su esposa, la profesora Virginia De CrescenzoSantiago Cichero/AFVDaniel GigenaSeguí leyendoReclamo a Francia. Un valioso fósil de lagarto prehistórico saqueado en el siglo XVIII que comparan con la tumba de TutankamónCuentas falsas. Creó perfiles “truchos” de nuevos ministros para anunciar las muertes de César Aira y Adolfo Pérez EsquivelMillones, famosos y jets privados. Más argentinos en “el club de las seis cifras” de Art Basel Miami BeachTemasArte y CulturaLibreríasCiudad de Buenos AiresLibrosConforme a los criterios deConocé The Trust ProjectOtras noticias de Arte y CulturaReclamo a Francia. Un valioso fósil de lagarto prehistórico saqueado en el siglo XVIII que comparan con la tumba de TutankamónManuscrito. La espera, creadora de ensueñosOtro controvertido decreto. El último día de su presidencia Alberto Fernández firmó una norma por los derechos de autores y editoriales

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Thurston Moore desaparece en el fresco ruido de sus memorias

Informador — Tue, 12 Dec 2023 04:15:28 +0000

“Sonic Life”, de Thurston MooreAntes de que las redes sociales hicieran que todos se volvieran necesitados y poco atractivos, solía existir algo llamado mística, y a menudo se podía encontrar que irradiaba de otra cosa llamada rock-and-roll. En su adolescencia en los suburbios de Connecticut en la década de 1970, Thurston Moore se obsesionó con ambos, estudiando sus discos de Stooges y Captain Beefheart, tratando de aprender las formas en que los tímidos bichos raros se transformaban en heroicos fanáticos del misterio, hasta que finalmente lo logró él mismo, cofundando una de las bandas más geniales que jamás haya existido.Sonic Youth no es la entidad más incognoscible en la gran constelación de estrellas de rock. La banda no cambió de identidad como David Bowie ni vivió dentro de una niebla púrpura como Prince. Pero todo lo misterioso sobre el grupo que definió la era de Moore sigue siéndolo, en las páginas de sus recientes memorias, Sonic Life. El libro está repleto de emociones presenciadas por ojos y oídos. Pero cuando se trata de asuntos internos (decepciones, arrepentimientos, fracasos, penas), Moore tiende a desvanecerse en una nube de humo. Incluso en la portada del libro, se esconde debajo de su característico pelo rubio y una pizca de relámpagos de dibujos animados.Thurston Moore cuenta en sus memorias cómo se aventuró en la noche neoyorkina (Tabatha Fireman/Getty Images for Fender Musical Instruments Corporation) (Tabatha Fireman/)Al principio, Sonic Life es una historia sobre la mente de un joven fan que se vuelve loco tantas veces que su participación en el gran misterio del rock and roll se convierte en una conclusión inevitable. Aventurándose en las sombras de Nueva York en cada oportunidad, Moore cuenta que su estructura molecular se reorganizaba rutinariamente mediante presentaciones en vivo de Blondie, los Ramones, Television, Talking Heads y especialmente Patti Smith, su héroe y estrella polar. Incluso entonces, dice Moore, sabía que se había infiltrado en “un espacio exclusivo, experimentando la mejor música que se hacía en el mundo occidental”. Recuerda al agresivo dúo de sintetizadores y voces Suicide como “ruido de película de terror y melodías de Beach Boys canalizadas a través de pesadillas”, y el kitsch sexual punky de los Cramps como “acción basura”.El lirismo de sus recuerdos no debería sorprender a nadie. Vea cómo describe la ciudad misma: “En la punta de Manhattan, donde la isla se estrecha hasta convertirse en una lanza puntiaguda, las calles pierden su cuidada cuadrícula y chocan unas con otras, superponiéndose hasta convertirse en locura”. Hermoso. Pero también, triste. Dado que hoy en día solo sobreviven esos patrones de tráfico, el testimonio de Moore sobre la vida nocturna se convierte en un monumento a la placa de Petri perdida de una escena del centro que hizo posible Sonic Youth.La habilidad de Moore para estar en los lugares correctos en los momentos correctos se extendió hasta la década de 1980, después de que finalmente conoció a la bajista y guitarrista Kim Gordon y formó Sonic Youth, una banda que rápidamente llegó a representar una convergencia de ruido sin ondas, hardcore punk y arte elevado. En 1986, la banda firmó con el legendario sello punk de la costa oeste, SST Records, luego, en 1990, dio el salto al sello principal a DGC, momento en el que se habían convertido en un portal entre el underground y la corriente principal a través del cual todas las cosas interesantes deben pasar.Thurston Moore, voz de la banda Sonic Youth que integró junto a Kim Gordon (Martyn Goodacre/Getty Images) (Martyn Goodacre/)Pero incluso cuando Sonic Youth llamó la atención del público, Moore siguió preocupado por las frecuencias vecinas. Después de asistir a su primer concierto de Nirvana en Maxwell’s en Hoboken, Nueva Jersey, alrededor de 1989, Moore estaba especialmente abrumado como asistente del portal, convencido de que acababa de ver “las semillas de la próxima década”. En cambio, una reconsideración radical de la expresión musical en general… El espíritu progresista y problemático de ese movimiento residiría en gran medida detrás de los vidriosos ojos azules de Kurt Cobain, ungido como por un ángel perdido, un artista destinado a brillar, abrasado y exquisito, si sólo por un momento fugaz”.¿Moore entiende a Nirvana mejor que a Sonic Youth? Rara vez toca el impacto social o el significado espiritual de su propia banda, pero está dispuesto a explicar su mecánica creativa, describiendo una “democracia sonora” en la que “el único método era escuchar, sentir, revelar y refinar”. También sabe lo bien que sonó todo y capturó la resonancia generacional del sonido de las cuerdas de su guitarra en dos palabras perfectas: “campanas eléctricas”.Thurston Moore y Kim Gordon, bajista de Sonic Youth, fueron una de las parejas más emblemáticas de la historia del rock (Sergione Infuso/Corbis via Getty Images) (Sergione Infuso – Corbis/)Sin embargo, lo que emerge debajo del ruido podría ser una imagen de soledad, algo que se insinuó al principio de la acción cuando Moore describe haber conseguido una copia en vinilo del álbum debut de los Stooges: “Se convertiría en mi mejor amigo”. Lee Ranaldo y Steve Shelley, compañeros de banda de Moore durante décadas, apenas aparecen en estas páginas. Describe su asociación con Gordon con más detalle, pero sin efusión. Lo más memorable del día de la boda de la pareja es el hecho de que Moore llevaba una camiseta de la banda de hardcore de Maryland Void.¿Es eso mística? ¿U ofuscación? Todo fan de Sonic Youth sabe cómo la banda se desmoronó en 2011 después de que el romance de Moore con la editora de libros Eva Prinz destruyera su matrimonio con Gordon. Cerca del final de Sonic Life, Moore finalmente aborda las consecuencias como si recitara una declaración redactada por su abogado: “Las circunstancias que me llevaron a un lugar donde incluso consideraría una decisión tan extrema y difícil: dejar mi matrimonio con Kim, mi compañera y compañera de banda durante casi treinta años, la madre de nuestro hijo, la adorada tía de mis sobrinas y sobrinos, son intensamente personales y nunca sacaría provecho de ellas públicamente, aquí ni en ningún otro lugar”.Anteriormente, escribe: “Kim y yo éramos conscientes de cómo nuestro matrimonio nos posicionaba como una especie de figura paterna para algunos de los músicos más jóvenes que conocimos”, sin mencionar a la totalidad de la base de jóvenes fans de Sonic Youth. Estos dos estaban entre las parejas más emblemáticas de la historia del rock y lideraban una banda importante que todos asumieron que duraría para siempre. Moore sabe todo esto, ¿verdad? Él debe. Pero si realmente se esconde en las páginas de sus propias memorias, esperemos que no sea para proteger nuestras ideas colectivas sobre la santidad de su arte. A diferencia de las bandas de rock, las escenas artísticas, las amistades, los matrimonios o la vida misma, la música de Sonic Youth sigue siendo indestructible.Fuente: The Washington Post

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Un dibujo de Astérix va a subasta pese a una controversia con la familia de Uderzo

Informador — Fri, 08 Dec 2023 22:15:37 +0000

Se trata de una pieza de 1963 valuada entre 400 mil y 500 mil euros. Herederos del dibujante hicieron una denuncia por robo.

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Daniel García y una fascinante mirada sobre las sirenas, entre este mundo y el más allá

Informador — Sat, 02 Dec 2023 04:17:42 +0000

Entre estanterías y lienzos: la inspiración de García, se dibuja entre Sylvester, Tàpies y su propia biblioteca visualDaniel García (Rosario, 1958) vive y trabaja en el apacible barrio de Fisherton, en Rosario, donde a fines del siglo XIX se instalaron las familias del personal jerárquico del Ferrocarril Central Argentino.La casa del artista se levanta por detrás de un pequeño jardín. En el living, antesala del estudio, hay más bibliotecas que sillones. Entre los más consultados, sobresale un volumen de entrevistas de David Sylvester con Francis Bacon, Interviews with Francis Bacon (después reeditado en versión aumentada como The Brutality of Fact y traducido como La brutalidad de los hechos), en que el pintor británico manifiesta la intención de que sus obras se sientan “con el cuerpo primero y con la mente después” –resume García–.Otros favoritos compilan obra y textos del barcelonés Antoni Tàpies, entre muchos más. En esta casa, la distancia que separa los libros de las pinturas se mide en unos pocos pasos. Además, García trabajó diseñando libros y aportó imágenes para las tapas de la editorial rosarina Beatriz Viterbo.García revela el proceso detrás de las pequeñas pinturas que llenan su estudioEn el estudio se abren distintos cuadernos con pequeñas pinturas sobre las páginas. Algunas son bocetos, otras son sus propias versiones de obras de otra de sus grandes influencias, el artista alemán Max Beckmann. García trabaja en varios cuadernos simultáneamente: mientras la pintura se va secando en uno, continúa en otro y así va desarrollando estas pequeñas piezas sin interrupción.Respecto de la tradición rosarina, se declara “fan” de Augusto Schiavoni por cómo trabaja el plano y la luz en sus cuadros. Y además “si uno está de espaldas a una pintura de él –dice– es como si tuviera a una persona parada atrás”.Con Schiavoni se identifica además porque solía trabajar en perspectivas con una profundidad restringida. García declara que en sus propias obras no hay más de veinte o treinta centímetros de profundidad, y lo ejemplifica con una tela de gran formato apoyada sobre una de las paredes, en que sobre un fondo negro contrastan los huesos del esqueleto humano en blanco y en tamaño natural. A la altura de la cabeza, por detrás de las órbitas, brillan un par de ojos vivos. Esa mínima distancia entre la calavera y los ojos devela entonces que los huesos corresponden al estampado de un disfraz de tela oscura, casi mimetizada con el fondo.García comparte su conexión con la tradición de Augusto Schiavoni en la pintura rosarinaEntre sus lecturas recientes, García ha investigado a las sirenas: desde su origen mitológico y su iconografía hasta las especulaciones que han suscitado en autores del siglo XX, como Franz Kafka y Maurice Blanchot, que ha dado lugar a una serie de pinturas expuestas hasta fin de año en la galería porteña Gachi Prieto.Si bien hoy conocemos a las sirenas sobre todo como personajes con cola de pez y torso, brazos y cabeza humana, el artista comienzo su exploración en tradiciones más antiguas, originarias del Mediterráneo, donde “corría la leyenda de una isla misteriosa en cuyas orillas los marineros perecían atraídos por el canto de los pájaros. Estas aves eran denominadas Sirenas, y se decía que tenían el rostro de mujer –escribe en el texto que acompaña su actual muestra–. Al menos así aparecían representadas en relieves funerarios, en esculturas y cerámicas, y pintadas en ánforas, hidrias, vasos y platos. Posteriormente aparecen también retratadas con senos y brazos, y ocasionalmente con instrumentos musicales”. García revela el proceso detrás de las pequeñas pinturas que llenan su estudioLas sirenas son siempre personajes híbridos entre humanos y animales, entre este mundo y el más allá. “Se emparentan con otras figuras míticas aladas con rostro de doncellas: las arpías y las esfinges, aunque las arpías son más bestiales y con grandes garras, y las esfinges tienen cuerpo de león –prosigue el artista–. Solo las sirenas cantan, pero todas ellas pertenecen al mundo ctónico o telúrico, y se relacionan de una u otra manera con el inframundo [en oposición al mundo celestial]. Se dice que las sirenas eran hijas de Aqueloo (el que ahuyenta los pesares), el dios del río del mismo nombre, y una de las musas (cuya identidad varía según los autores). Originalmente eran las jóvenes y bellas compañeras de Perséfone y su transformación es consecuencia de no haber logrado impedir el rapto de esta por parte de Hades. Según algunos fueron castigadas por Démeter y convertidas en aves. Según otros, su metamorfosis fue voluntaria: pidieron a los dioses alas para poder buscar más rápidamente a Perséfone. Cualquiera sea el caso, se supone que continúan frecuentando a su antigua compañera, ahora devenida reina del inframundo, y por eso es tan abundante su representación relacionada con ritos funerarios”.García se inspiró en estas historias y personajes para crear su propia serie de siete Sirenas, pinturas de gran formato realizadas entre 2022 y 2023, todas con plumajes y garras diversas, pero siempre con el rostro de la bailarina Natalia Pérez, quien a su vez ha sido retratada con cuerpo de pájaro en una pieza en cerámica esmaltada de la escultora Noëlle Lieber (Sirena, 2023), basada en Sirena I, la primera que pintó García. Antes, el pintor había tomado como inspiración una pieza de Lieber que adquirió el año pasado y que llamó La nadadora de Noëlle (2022).También en 2022, el artista conoció a la bailarina, que le propuso bailar en una muestra suya. Así comenzó un proceso de colaboración que dio lugar a la muestra Confluencias (marzo-mayo, 2023) en la Alianza Francesa de Rosario, en que se combinaban dos artes estáticas, la pintura de García y la escultura de Lieber, con la danza de Pérez, un arte del movimiento.Sirenas en la pintura: una inmersión en la serie de García inspirada en mitologías antiguas y la danza de Natalia PérezEl sábado 25 de noviembre Pérez volvió a bailar con las pinturas de García, esta vez en la sala de la galería Gachi Prieto, entre sus propios retratos. Sus movimientos etéreos y gráciles crearon un diálogo con las figuras quietas de las pinturas en las paredes perimetrales, donde los pájaros con la imagen de su propia cabeza parecían observarla y, por momentos, reconocerla.* La visita a la casa / taller de Daniel García fue posible gracias a una experiencia generada por Fundación Medifé en ocasión del 76° Salón Nacional de Rosario.** Para visitar Sirenas: Gachi Prieto Arte Contemporáneo Latinoamericano. Uriarte 1373, Ciudad Autónoma de Buenos Aires. Lunes a viernes de 14 a 19 y sábados de 15 a 19. Hasta el 30 de diciembre de 2023

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